dzatochnik | Entries tagged with театр

Умер Леонид Окунев — один из лучших тюменских актёров старшего поколения. Он был достоин всероссийской и мировой славы, но провинциальный театральный актёр не сможет добиться славы без переезда в столицу. Хотя он снимался в фильмах и сериалах, но они были неудачными. Фильм «Правда о щелпах», за который Окунев получил премию второстепенного фестиваля «Кинотавр», был снят в перестроечной манере и не пользовался успехом у зрителей. Кажется, больше всего Окунева знают по бездарной экранизации «Золотого телёнка», где у него была выигрышная роль Паниковского. Даже в Тюмени Окунева если узнавали, то благодаря нелепому телевизионному скетч-шоу конца 90-х, где он играл старушку.

Я очень жалею, что открыл для себя театр так поздно и видел Окунева на сцене так мало. По сути, я видел только один его спектакль — вторую постановку «Русской народной почты». Постановка не великая, но это не вина Окунева: он-то показал всё — от трагедии до фарса. В спектакле о Высоцком он вспоминал о том, как ездил в Москву, чтобы посмотреть на Высоцкого в спектакле «Антимиры», и отлично читал стихи. Если молодые актёры пытались изображать Высоцкого с помощью костюмов, то Окунев это делал тоньше, с помощью интонации и жестов. У него было умение имитировать известных людей: в той же «Русской народной почте» он изображал двух российских президентов. В плохом спектакле «Это Тюмень, детка» он повторил роль старушки из скетч-шоу. Ещё в двух спектаклях, «Ромео и Джульетта» и «Край», у него были небольшие роли. В «Крае» у него было даже две роли, и одна — заложника, с мешком на голове. Вот и всё, увы, что я видел. Окунев постоянно присутствовал в «Ангажементе»: то он после спектакля «Я убил царя» встречает зрителей, то он выступает после читки пьесы о Западно-Сибирском восстании. Казалось, что Окунев — главный элемент этого театра, краеугольный камень всего сооружения. Каким будет театр без него, трудно представить. Сохранится ли вообще? (Июльский арест Сергея Осинцева, директора драмтеатра, и смерть Окунева. Не станут ли эти события концом определённого периода в истории тюменского театра? Концом золотого века?)

Как-то я купил билет в кассе «Ангажемента», потом сел на лавочку у входа, и тут выходит Окунев с сопровождающими. Я радостно: «Здравствуйте, Леонид Григорьевич!» Он смотрит, пытается вспомнить, кто такой, говорит неуверенно: «Здравствуйте...» — «Да я простой зритель, вот купил билет» — «На какой спектакль?» — «На такой-то». — «Ну, приходите», — и пожал мне руку. Так всё просто, по-деревенскому.

Никаких происшествий нет, последний день осени, скоро настоящая зима, всё отлично, поэтому опять сходил в театр. Пошёл по двум причинам: гениальная пьеса Шекспира и Николай Аузин в главной роли.

Спектакль похож на многие спектакли по пьесам Шекспира и не только Шекспира. Вспоминается, конечно, и улан-удэнский «Ричард III», и тюменские «Ромео и Джульетта», и пермский «Калигула», и новосибирское «Дело», и тюменская «Молодость», и многое другое. Смешение времён, ненужное видео, яркие карнавальные костюмы, попсовые песни, на сей раз Г. Лепс и Е. Ваенга.

Выбор красавчика Аузина на роль главного героя необычен. Он играет злого клоуна, Джокера из последних фильмов про Бэтмена. В одной из последних сцен он мажет себе рот красной краской, чтобы больше походить на клоуна. Про других актёров сказать особо нечего. Они изображают маски — кто манерной девицы, кто стереотипного гея, кто тупого вояки. Жалко хороших актрис, которым толком не дали поиграть, — Марину Карцеву, Полину Егорову и даже Софью Илюшину, хотя у неё роль получше.

Декорации — статичное двухэтажное сооружение из дерева и металла, которое отделяет переднюю часть сцены. Когда части сооружения опускаются, то в задней части видна пустота. Редкий режиссёр может справиться с огромной сценой большого зала ТДТ, и тут режиссёр не справился. Надо было ставить спектакль в малом зале.

Шекспир написал пьесу об идеальном тиране и показал пример того, каким не должен быть правитель. Что может режиссёр в современной России сказать спектаклем по такой пьесе? Как в улан-удэнском спектакле, главный герой — как бы жертва несчастливого детства, и он должен вызывать сочувствие. Последняя сцена — разговор горожан о том, что новый король будет такой же, как и прежний. Мысль проста: место тирана займёт другой тиран.

Не скажу, что спектакль не понравился, но и восторга он не вызвал. Всё время было ощущение, что режиссёр недокрутил. В ТДТ часто возникает такое ощущение.

Никаких происшествий нет, первый снег, всё отлично, поэтому опять сходил в театр. «Ч-чайка» — шестой из спектаклей Романа Габриа в ТДТ. Я смотрел пять, и все мне в разной степени понравились. Не рискну сказать, что Габриа — лучший режиссёр, который работает в Тюмени. Скажу так: Габриа — мой любимый театральный режиссёр.

Вроде бы очевидный выбор актёров. Тихонова в роли Аркадиной — опять властная дама, как в «Молодости», «Обыкновенном чуде»... Илюшина в роли Заречной — опять девочка-оторва, как в «Ромео и Джульетте», «Восьми женщинах»... Тихонов в роли Тригорина — опять демоническая личность, как в «Господах Головлёвых», «Крейцеровой сонате»... (Если бы Скобелев остался, то он бы наверняка играл Тригорина.) Но есть нюансы. Аркадина в своей властности доходит до карикатуры. Заречная во втором действии появляется как растолстевшая тётка, и этот образ даёт больше возможности актрисе: «Зато я педагог!» Тригорин — не такой уж демонический, просто самовлюблённый, безмозглый «инфлюенсер», если я правильно понимаю это слово. Второстепенные роли играют Белозерских, у которого мало заметных ролей, Волошенко, Калинин.

Совсем неочевидный выбор: Николай Падалко в роли Треплева. Работник театра без театрального образования, который как-то оказался в труппе, обычно он играет в массовке, иногда произносит реплики. Здесь ему дана главная роль, и какая роль! Я-то думал, что её будет играть Аузин, но тогда весь выбор актёров был бы очевидным. Этот неожиданный выбор, который многое говорит о режиссёре, полностью оправдался. Падалко оказался отличным актёром, которому просто не давали себя проявить. Кажется, что в работе над ролью он взял за основу манеры самого Габриа. Даже его «дефект речи» обыгран: в финале Аркадина, возмущаясь современным театром, говорит, что со сцены должна звучать правильная речь.

Спектакль начинается с аудио и видео — медийного шума: интервью Газманова, выступление священника, «Своя игра» (я смотрел этот выпуск и тоже, как герой спектакля, сказал: «Гашек», — после того, как игрок сказал: «Чапек»). Весь спектакль звучат песня Антонова «Я буду долго гнать велосипед», песня Газманова «Дождись» и ещё что-то из дискотеки 80-х. Как в спектакле «Молодость» Чащина, создаётся контраст между трагическими событиями, разговорами о высоком — и попсовыми песнями. На поклонах звучит «Старый отель» Агузаровой, что, как заметила Наталья, напоминает финал «Ассы».

Как обычно у Габриа, текст изменён — по сути, это новая пьеса по мотивам «Чайки». В «Каренине» он перенёс действие во времена оттепели, а здесь — в наши дни. Конечно, это проявляется внешне — шашлыки, смартфоны и т. д., — но не только. Треплев уже знает историю театра 20-го века и не говорит, что нужны новые формы, ведь все возможные формы придуманы. Он говорит, что нужно заново изобрести театр, но не знает, как это сделать. Понятно, что сам спектакль — это и есть попытка заново изобрести театр.

Начало вроде бы во вполне традиционном духе. Реалистические декорации — дачный домик, сортир, грязь. На фоне этих декораций герои молча что-то делают, вполголоса разговаривают. Потом эта традиционность разрушается: герои обращаются прямо в зал, разговаривают со зрителями, заставляют их стать частью спектакля. Спектакль Треплева — спектакль в спектакле — поставлен другим режиссёром. Никакого монолога про «львов, орлов и куропаток» тут нет. Выходит актриса Илюшина и от своего имени говорит, что сейчас будет говорить от имени режиссёра, а потом от имени режиссёра говорит, что спектакль Треплева ставить вообще не надо. Она же разрешает недовольным зрителям прямо сейчас уйти, и некоторые этим разрешением пользуются. Это соединение реалистичности, натуралистичности — Треплев моет ноги дяде, бьётся в припадке — с условностью следует через весь спектакль. Это мой любимый тип театра — не традиционное чтение по ролям, но и не превращение театра в перфоманс, в имитацию ритуала.

Никаких происшествий в мире, летнее солнцестояние, дожди продолжаются, всё отлично. Поэтому сходил в ТДТ на спектакль «Дело» новосибирского театра «Красный факел». (В «Красном факеле» поставили всю трилогию Сухово-Кобылина, а к нам привезли только вторую часть.) Причин для похода много: гениальная пьеса, прославленный театр, спектакль с несколькими номинациями на «Золотую маску».

Спектакль идёт 3,5 часа с двумя антрактами. В первом действии актёры в обстановке и в костюмах эпохи разыгрывают свои роли. Кажется, что это какой-то Малый театр, и непонятно, за что это номинировать на высокую награду. Из современности тут только санитарно-гигиенические маски, которые не кажутся мне блестящей находкой. Со второго действия появляется фарс, гротеск, клоунада — так теперь обычно ставят Шекспира. Появляется ненужное видео — сейчас его пихают везде, и почти везде оно ненужно. Нарастает смешение времён. Чиновники в современных костюмах болтают в мессенджере, и текст выводится на экран. Режиссёр всячески подчёркивает актуальность пьесы: омоновцы, мобильники, телевидение, хештэги. Понятно, что история чиновников-взяточников, остающихся безнаказанными, — это современная история. Впрочем, режиссёру ничего не грозит. Сухово-Кобылин, Гоголь, Грибоедов, Фонвизин — классики, которых издают большими тиражами, постоянно ставят в театре, но они не мешают ни одному современному чиновнику «есть хлеб беззакония и пить вино хищения».

В спектакле особенно заметны актёры в ролях злодеев — Варравина, Тарелкина, Князя, но и актёры в положительных ролях хороши — Муромский, Иван Сидоров. Отдельно нужно отметить сцены допросов, когда полицейские молчат и смотрят, а допрашиваемые говорят. Здесь отличны и бессловесные — почти до конца — роли полицейских, и комические роли допрашиваемых.

Второй раз смотреть этот спектакль я бы, пожалуй, не стал, но посмотрел бы другие спектакли этого театра, да денег жалко. Я доволен, что удалось посмотреть хотя бы один спектакль ещё одного провинциального непровинциального театра. В Новосибирске с театром всё хорошо, как и в Тюмени, Перми, Лесосибирске, Улан-Удэ, Ханты-Мансийске.

В фойе на первом этаже выставка художника Александра Кухтерина. Отличные картины, изображающие нашу реальность «весомо, грубо, зримо».

Никаких происшествий в мире, скоро весна, всё отлично, поэтому опять сходил в театр. «Ухо Ван Гога» — второй из новых спектаклей Романа Габриа в ТДТ, а всего пятый. Габриа опять доказал свой класс.

Моноспектакль по письмам Ван Гога брату Тео. Я боялся, что будет просто чтение писем в разных позах, но от писем остались небольшие фрагменты. Большую часть времени актёр перемещается по сцене и ничего не говорит. Он одет в зелёное пальто, заляпанное красками, загримирован под Ван Гога: рыжие парик и борода, накладной нос, окровавленная повязка на ухе. В руках у него огромная кисть, которой он рисует в воздухе. В финале самоубийство — выстрел в собственную тень.

Александр Тихонов играет уже второй моноспектакль и ещё раз доказывает, что может в одиночку держать зрителей. Конечно, Тихонов не настолько разносторонний актёр, как Скобелев и Аузин, но в подходящих для него ролях он вне конкуренции. Это уже третья его работа с Габриа после Иудушки в «Господах Головлёвых» и заглавной роли в «Каренине», и во всех трёх он поражает. И я думаю, что он мог бы столь же убедительно сыграть Ван Гога без парика и накладного носа.

Декораций нет, только деревянный стул, который пытается нарисовать герой. Музыка: начинается и заканчивается с какой-то американской эстрадной песни в духе Фрэнка Синатры и Дина Мартина, а весь спектакль играет минималистическая музыка, которая нагнетает напряжение.

Спектакль относится к тому типу театра, который мне кажется самым театральным и больше всего нравится. Соединение условного театра в композиции и оформлении и психологического театра в актёрской игре, когда актёры не кривляются, а играют до «полной гибели всерьёз». А это ещё не повествовательный, а лирический театр, где важнее не сюжет, а выражение чистых эмоций. До этого спектакля я видел в ТДТ только один пример такого лирического театра — «С любимыми не расставайтесь» Александра Баргмана.

Первый раз побывал на сцене «Молодость» на пятом этаже. Здесь все сотрудники молодёжь, как в МТЦ «Космос» или в Музейном комплексе им. Словцова. Половину фойе занимает, естественно, кафе. Оформление предваряет спектакль: на потолке картины юных художников — копии картин Ван Гога или по мотивам Ван Гога, на стенах, в том числе в туалете, цитаты из Ван Гога. Очередное креативное арт-пространство, в котором я чувствую себя слишком старым и чужим. В зале сцена на уровне пола, неудобные пластиковые стулья с низкими спинками, которые врезаются в позвоночник.

Посмотрел в ТДТ все три премьеры, которые хотел. Скорее всего, в ближайшее время в театр не пойду.

Никаких происшествий в мире, потепление, всё отлично, поэтому опять сходил в театр. «Каренин А.» — третий спектакль ТДТ, номинированный на «Золотую маску». Но пошёл не из-за «Маски» и даже не из-за Толстого, а из-за режиссёра Романа Габриа. Это один из трёх лучших режиссёров, которые работали в ТДТ, наряду с Александром Баргманом и Данилом Чащиным. В год начала несуществующей пандемии он собирался ставить «Бесов», но несуществующая пандемия изменила планы.

Сюжет перенесён во времена оттепели, текст полностью переписан, вся линия Левина и с нею черты идеологического романа из спектакля удалены. Соответствующие декорации: обстановка эпохи — трибуна с гербом СССР, автомат с газировкой, телевизор, радиоприёмник, торшер, диван. В разных сценах обстановка не меняется: это и вокзал, и квартиры, и больница. Трибуна используется для особо важных монологов и диалогов. Отсюда Каренин произносит первый монолог — обличение новаторского искусства. Отсюда же читаются стихи того времени, я узнал только «Физиков и лириков» Слуцкого. (Стихотворение, которое несколько раз начинает Каренин, — это «Красота» Самойлова).

Попытка изобразить эпоху — в театре всегда неуспешная — сочетается с театральной условностью, как в спектакле Габриа «Господа Головлёвы». В сцене участвуют персонажи, которые находятся в другом месте, одновременно изображается действие, которое происходит в разных местах, etc. Можно представить, как банально поставили бы эти эпизоды средние режиссёры. Мне кажется, выбор большой сцены был ошибкой: режиссёр не смог заполнить это огромное пространство и просто разрезал его вдоль стеной. На малой сцене спектакль смотрелся бы идеально.

Каренин — типичный крупный чиновник-консерватор, с прислугой и прочим, неизменный во все времена. Он похож на отца главной героини в фильме «Июльский дождь», который начинал карьеру при Сталине. Его, как всегда прекрасно, играет Александр Тихонов. Анна Каренина — похотливая, избалованная, самовлюблённая дура в первом действии и измученная, больная женщина во втором действии. Она больше похожа не на Анну Каренину из романа Толстого, а на госпожу Бовари из романа Флобера. Её убедительно играет молодая актриса Полина Егорова: только попала в театр, и сразу такая роль. Вронский (Илюшкин), Бетси (Илюшина), Стива Облонский (Аузин) — тусовщики вроде золотой молодёжи, показанной в сцене вечеринки в фильме «Июльский дождь». (Бетси в спектакле называют Лизой, и две девушки рядом не могли понять, как связаны эти два имени.) Ольга Игонина играет служанку — небольшая и неважная роль, но актрисе доверено прочитать тех самых «Физиков и лириков», и она это делает замечательно. На сцене часто и долго появляются дети — участники детской студии при ТДТ.

Я думал, что спектакль, где сюжет показан с точки зрения обманутого мужа, будет чисто мизогиническим, как спектакль Баргмана «Крейцерова соната»: женщина — это сосуд греха. При желании можно увидеть и мизогинию, а при другом желании историю страданий всех персонажей, и мужских, и женских, как и есть в романе Толстого. Об этом настойчиво твердят надписи над дверями «Вдох» и «Выдох» и вывеска «Воздух».

Спектакль при некоторых недостатках явно выше среднего. Габриа не подвёл и опять доказал свой класс. Не зря я купил билет и на другой его новый спектакль «Ухо Ван Гога». Но как хотелось бы увидеть тех «Бесов»!

На ВК-странице ТДТ интервью с уборщицей.

«Я родилась в селе Вагай, в Тюмени живу с 20 лет. Когда подросла, вся деревня поехала на север – в ХМАО и ЯНАО на заработки, теперь стали богатыми, а я – в область. Не в ту сторону билет взяла».

Никаких происшествий в мире, скоро Новый год, всё отлично, поэтому сходил в театр — впервые с февраля 2020 года. «Семейка Аддамс» — первый тюменский спектакль, который получил «Золотую маску». (Спектаклей, которые попали в лонг-лист и в номинации, уже накопилось достаточно. Тюмень театральная за несколько лет вышла на новый уровень.)

Ещё один музыкальный спектакль ТДТ, который почему-то назвали мюзиклом. Музыка в песнях зажигательная, в латиноамериканском духе. Тексты банальные, с позорными рифмами типа «могу — ему». Софья Илюшина хороша в роли взрослой умной женщины, а не девочки-подростка, как обычно. Кудрин мне никогда не нравился, и теперь особо не впечатлил. (Конечно, его роль просто создана для ушедшего Скобелева, хотя в Скобелеве она не открыла бы ничего нового.) Остальные актёры на своих местах: Тихонов с удовольствием кривляется в бессловесной роли, Терёшина играет как раз девочку-подростка, Махнёва — комическую старуху, etc. Декорации с попыткой динамики, но всё равно скучные. Весь смысл, если есть какой-то смысл, — та же пропаганда семейных ценностей. В целом, обычный спектакль, местами смешной, один раз посмотреть можно. Но за что ему дали «Золотую маску», я не очень понимаю. Собственно «Золотая маска» выставлена в фойе, среди портретов.

Возрастная категория в билете 16+, а в объявлении перед спектаклем 12+. Я надеялся, что уж на этом спектакле не будет школьников классами, но они были. Более того, некоторые мамаши притащили совсем маленьких детей, а в спектакле много и чёрного юмора, и материально-телесного низа. Думал, после антракта маленькие дети исчезнут, но они все вернулись. Хотя бы та девочка, которая сидела рядом со мной, не разговаривала. Зато более взрослая барышня с другой стороны весь спектакль хрумкала джанк-фудом.

Не обрадовало меня возвращение в театр, никакого воодушевления. Попробую ещё сходить на «Каренина» — надеюсь, Габриа не подведёт.

Умер Питер Брук. Для людей, которые хоть сколько-нибудь интересуются театром, это самый известный театральный режиссёр современности. (Под современностью понимаем вторую половину 20-го века, после титанов — Станиславского, Мейерхольда, Брехта.) Широкой публике, в том числе «образованной», он совершенно неизвестен даже как кинорежиссёр. Это прекрасно показывает место театра в обществе: оно есть, но оно очень маленькое. Родители Брука эмигрировали из России, он был двоюродным братом Валентина Плучека, главного режиссёра Театра сатиры, начинавшего у Мейерхольда. Брук приезжал в СССР в самом начале оттепели: его «Гамлет» был одной из примет новой эпохи. Из постановок Брука, которые я видел, мне больше всего понравились фильм «Марат/Сад» и телеверсия позднего спектакля «Трагедия о Гамлете». До его книг я так до сих пор и не добрался.

Спектакль Тюменского драматического театра «Семейка Аддамс» не победил ни в одной из девяти номинаций на премию «Золотая маска», но получил специальную премию жюри музыкального театра — «За ансамбль и освоение новых жанров». Тем не менее, это уже не лонг-лист и не номинация, а лауреатство. Впервые в истории тюменский театр получил главную театральную премию страны.

Два года не ходил в театр, а в ТДТ, кажется, появилось несколько заметных спектаклей. Во-первых, «Семейка Аддамс», которая, как я думал, станет очередной проходной музкомедией, а она получила несколько номинаций на «Золотую маску» и спецпремию. Особенно обрадовала номинация Илюшиной, которая заслуживает всех премий, и удивила номинация Кудрина, которого я считал очень посредственным актёром, бледной копией Скобелева. Во-вторых, новый спектакль Габриа — не «Бесы», а «Каренин А.» с Тихоновым. В-третьих, «Ричард III» с Аузиным. (Впрочем, всё равно ни на какой спектакль не пойду.)

За это время ТДТ покинул Скобелев, и причин я не понимаю. У него было всё: разнообразные главные роли, любовь публики, номинация на «Золотую маску». И зарплата, которая позволяла каждый отпуск проводить в Европах, как профессору ВШЭ. Ладно бы уехал в известный театр, к известному режиссёру, так ведь уехал в Псков. Ладно бы ему предложили роль мечты — короля Лира, — так ведь играет третий гриб во втором составе. Не знаю, что приобрёл Псков, но Тюмень потеряла многогранного актёра, который умеет играть всё, — от клоунады до высокой трагедии.

«Мартин Иден», по роману Дж. Лондона. Простой реалистический роман превращён в набор лирических сцен в нелинейной последовательности. Чередуются три сюжетные линии: финал с самоубийством (текст от автора читает Эфрос), основное действие с любовью и желанием стать писателем, драки с Масляной Рожей. Пропущены все эпизоды, которые показывают тяжёлый писательский и неписательский труд, отношения с друзьями и родственниками, философские споры, обличение буржуазии. Странно, что небольшой эпизод с драками не только не пропущен, но превращён в отдельную сюжетную линию. Весь спектакль повторяется вопрос: кто ты такой, Мартин Иден?

«Каменный гость», по пьесе А. Пушкина. Точная инсценировка в классической манере Эфроса с приглушёнными эмоциями и пропущенным экшном.

«Незнакомка», по пьесе А. Блока. Точная инсценировка бессюжетной символистской пьесы. Слишком точная — даже с авторскими ремарками (читает Эфрос).

Хорошие радиоспектакли. Казалось бы, Высоцкий со своим темпераментом не подходил Эфросу так, как Волков или Броневой. Но нет, Высоцкий именно тогда был наиболее убедителен, когда обуздывал свой темперамент.

Посмотрел почти все фильмы, спектакли и телеспектакли с участием А. Миронова.

Миронов известен своими комедийными ролями в фильмах «Три плюс два», «Бриллиантовая рука» и др., которым противопоставляют трагические роли в фильмах «Фантазии Фарятьева», «Мой друг Иван Лапшин». Как будто у него два амплуа, две маски. На самом деле, Миронов как актёр намного разнообразнее. У него несколько амплуа, которые по-дилетантски можно назвать примерно так: трагический неудачник, беззаботный весельчак, нормальный человек, эгоистичный жулик, обаятельный авантюрист, герой, злодей, плохой хороший человек. Понятно, что такое разделение условно, и в лучших ролях соединяются разные амплуа.

Миронов за свою кино- и театральную карьеру менялся внешне и внутренне. Сначала он был пупсиком с толстыми щеками, которого использовали в довольно плоских ролях беззаботных весельчаков и эгоистичных жуликов, и была явная опасность, что эти амплуа закрепятся за ним навсегда.

С «Бриллиантовой руки» начинается перевоплощение Миронова: в пупсике появляются изящество и лёгкость, шик и блеск, и эти качества будут свойственны почти всем его ролям. Перевоплощение завершается примерно в начале 1970-х, в фильмах «Достояние республики», «Безумный день, или Женитьба Фигаро», «Невероятные приключения итальянцев в России», «Соломенная шляпка», когда становится больше обаятельных авантюристов.

С середины 1970-х, с фильмов «Страницы журнала Печорина», «Фантазии Фарятьева», становится всё больше трагических неудачников, и роли становятся всё сложнее. Многие роли, даже комедийные, окрашены в трагические краски: «12 стульев», «Трое в лодке, не считая собаки». В то же время роли трагических неудачников окрашены в комические краски: «Сказка странствий», «Мой друг Иван Лапшин».

Попытки сыграть чистого героя и чистого злодея не слишком удачны — не из-за актёра, а из-за сценаристов и режиссёров. ( Read more... )

Встреча с Сергеем Образцовым в Концертной студии Останкино (1981). Образцов, с одной стороны, напоминает, что он долго живёт и всё помнит: и Михоэлса, и Вертинского, которых уже можно упоминать как классиков. С другой стороны, он пытается не выглядеть старпёром. Любовь к природе и защита природы, хорошее отношение к новой технике ("Фотография -- это не искусство?!"), к молодёжи и моде ("Я сам люблю джинсы"), к современной музыке и живописи, отрицание ксенофобии ("Что, американцы -- не музыкальный народ?"), мистики и религии. Правда, последний пункт к тому времени был уже не такой современный: через несколько лет выяснится, что все кругом православные. Интересно, что он говорил об этом в конце жизни? Но есть в этой открытости и ограничения: если мужчина слишком занят своей внешностью, то он "баба".

50 лет Театру кукол Сергея Образцова (1981). Концерт вроде в честь Театра кукол, а на самом деле, в честь Образцова. Участвуют артисты Большого театра, МХАТа, Театра им. Вахтангова и лично Аркадий Райкин. Театр кукол -- это же "низкий" жанр, развлечение для детей, но Образцова поздравляют самые главные театры страны. Образцов -- один из тех людей, которые прославились "низкими" жанрами, но достигли таких высот, что их на всех уровнях признали деятелями "высокого" искусства. Как автор детских сказок Чуковский, эстрадный певец Утёсов, эстрадный комик Райкин. "В России надо жить долго", -- говорил Чуковский.

Передача 1989 года "Питер Брук. Московские встречи". Ведущий Швыдкой. Фрагменты из спектаклей, в том числе из "Гамлета" на русском и английском языках. Про "Марата/Сада" ничего не говорится, хотя пьеса переведена. Про кино ничего не говорится. Про "духовные искания" и про Гурджиева ничего не говорится. Брука приветствуют наши мэтры -- Табаков, Бартошевич, Ефремов, Лавров, Рощин. Скорее, тут уместнее был бы Любимов, который уже вернулся.

На канале Гостелерадиофонда неполная запись спектакля Товстоногова "Протокол одного заседания" по пьесе Гельмана. Лавров, Борисов, Богачёв, Рецептер. По той же пьесе фильм Микаэляна "Премия" и спектакль Ефремова "Заседание парткома". Пьеса вроде бы конъюнктурная -- справедливый секретарь парткома встаёт на сторону сознательного рабочего. Утопия почище Стругацких и другого Ефремова. Помню, был монолог Хазанова, где высмеивался фильм: банда гангстеров грабит банк и решает отказаться от лишних денег. Хи-хи-хи! Не конформисту Хазанову высмеивать Гельмана, который не предал свои "оттепельные" идеалы. Пьеса -- это действительно одно из запоздалых воплощений "оттепельного" утопизма. Но если послушать внимательно, о чём говорят все персонажи, то становится понятным, что трудно представить более обличительную пьесу. Речь идёт не об отдельных недостатках на одной стройке, а о том, что, как в анекдоте, всю систему менять надо. В этой системе нет ни преимуществ капитализма, ни преимуществ коммунизма, хотя и сторонники, и противники почему-то называют её коммунистической. Рабочие получают премию -- подачку от начальства, которое сидит в высоких кабинетах и ездит на "Волгах". Где же тут "исчезновение классовых различий" и "ассоциация индивидов"? Сейчас можно было бы сделать отличную постановку, не меняя ни одного слова. Пусть будет и справедливый секретарь парткома, и сознательный рабочий. Изменить только финал: "Кто за предложение коммуниста Потапова?" -- и никто не поднимает руку, немая сцена. Звучит гимн -- прозаседали до полуночи. А потом "Лебединое озеро". Занавес.

Когда началась пандемия коронавируса, и театры ушли на карантин, то Тюменский драматический театр — я так и не могу называть его Тюменский Большой Драматический Театр — придумал, что после карантина проведёт нечто под названием «Антиспектакль», что-то типа праздничного концерта с открытой датой. Я купил билет на балкон, потому что он дешёвый и потому что это же не спектакль — нечего там вблизи рассматривать.

Пандемия коронавируса не закончилась, а карантины в театрах закончились. Карантины закончились для всех — народ поехал по торговым и прочим делам в разные города. В Тюменском драматическом театре тоже закончился карантин, и сегодня, в 22:00 пройдёт обещанный «Антиспектакль». Но я туда не пойду, потому что пандемия коронавируса не закончилась, и я не хочу заразиться или заразить других. В соблюдение санитарных норм в театре я не верю — я знаю, какая публика там бывает. Так же я не пойду на премьеру «Тартюфа» в октябре, на гастроли пермского театра «У моста» в ноябре.

Это хороший повод покончить с моей театроманией, которая стала меня тяготить. «Жизнь — это страдание. Причина страданий — желания». Желания, увлечения, страсти, мании делают нас несвободобными. «Чтобы избавиться от страданий, нужно избавиться от желаний».

Я прощаюсь с театром и подвожу итоги трёх, точнее двух с половиной, театральных сезонов, когда я ходил в театры по несколько раз в месяц. Я видел спектакли только «провинциальных» театров — из Тюмени, Перми, Екатеринбурга, Ханты-Мансийска, Лесосибирска, Улан-Удэ. Но это были спектакли таких заметных и совсем не «провинциальных» режиссёров, как Чащин, Габриа, Баргман, Мильграм. Не выезжая из Тюмени, я видел множество спектаклей, так или иначе отмеченных премией «Золотая маска», — победителей, номинантов и участников лонг-листа.

В списке любимых спектаклей я привожу не спектакли, поставленные заметными режиссёрами или отмеченные «Золотой маской», а только те, которые мне понравились. Привожу в том порядке, в каком я их посмотрел, это не обязательно премьерные показы. ( Read more... )

Цикл лекций 2017 года "Западная литература. Классический канон": "Данте: На границе Средневековья и Нового времени", "Рабле: Мудрое дурачество учёнейшего мэтра", "Сервантес, создатель современного романа", "Шекспир, он же Театр". Читает филолог Ольга Светлакова -- специалистка по испанской литературе, но всех четырёх писателей она цитирует на языке оригинала.

Александр Калягин читает главы из романа Франсуа Рабле "Гаргантюа и Пантагрюэль": версия 1976 года, версия 1979 года. Честно говоря, я не поклонник этого романа, хотя читал его два раза, но в таком виде он мне нравится.

Посмотрел 8 постановок П. Брука (1 — плохо; 2 — хорошо, но пересматривать не буду; 3 — отлично, буду пересматривать). Брук — великий театральный режиссёр, но записей его спектаклей почти нет. У него хорошие фильмы, в которых нет ничего особенно театрального, кроме фильма «Марат/Сад». Два фильма-спектакля очень разные, в них мало общего. Единственная запись живого спектакля — это опера. Оценить величие Брука как театрального режиссёра мне сложно. Честно говоря, я ждал большего новаторства. ( Read more... )

Цикл лекций "Театральная карта мира", прочитанный в Александринском театре в 2019 году: 9 лекций на канале Александринского театра и более полный набор, 11 лекций на сайте Окко (бесплатно, но нужна регистрация). Современный театр в разных странах: от США до Японии, от северных стран до Африки.

Лекции именно о современных, новых формах театра, а не о традиционном театре, который тоже существует в современности. Одна лекторка назвала такой традиционный театр буржуазным. Новые формы, с одной стороны, разнообразны, а с другой стороны, везде одни и те же. Документальный театр, иммерсивный театр, отказ от драматургии, перформанс, пластика, видео и т. д. Странным образом, это многообразие порождает какое-то новое однообразие. То же касается и содержания: социально-политические темы -- гендер, расизм и т. д. Провокации без опасности угодить за них в тюрьму. Некоторые лекторы пытались говорить о национальных особенностях театра, но как раз никаких национальных особенностей нет. Нет особого театра Франции, или Японии, или даже Ирана -- это географическое и политическое разграничение. Есть один мировой современный театр. Тем более, режиссёры разъезжают по всем странам.

* * *

После просмотра лекций ещё раз понимаешь, насколько театр Тюмени отстал от мирового театра. Эти новые формы могут показаться однообразными, когда их много, но в Тюмени их почти нет. В буржуазных театрах есть только элементы в спектаклях, есть редкие спектакли. Даже режиссёр, который собирается ставить "Бесов", заранее предупреждает, что никакой актуальности в спектакле не будет. Очевидно, не будет актуальности и в "Тартюфе". В молодёжных театрах и студиях есть новые формы, но говорить о социально-политическом содержании не приходится. Конечно, наших людей театра тоже можно понять. В Тюмени провокация вполне может закончиться тюрьмой. "На улице, чай, не Франция".

Передача "Время свободы. Контекст": главный редактор журнала "Театр" Марина Давыдова -- о театре во время и после пандемии.

"Но, конечно, карантин в этом смысле нам открыл на многое глаза. Вот даже мне лично открыл. Во-первых, совершенно стало мне непонятно -- просто я про это раньше не задумывалась, -- почему театры, такие как "Шаубюне", или "Комеди Франсез", или "Одеон" парижский и так далее, помимо нормального своего функционирования -- они играют премьеры, спектакли репертуарные и так далее, -- но у них есть огромные видеоархивы старых спектаклей, -- почему они никогда раньше не выкладывали их и не показывали их людям? Для кого эти Кощеевы богатства хранились-то там, в этих архивах? А вот сейчас, когда случился карантин, каждый театр, театр "Талия" гамбургский, все начали выкладывать спектакли Боба Уилсона, Люка Персеваля, то есть режиссёров самого первого ряда. Спектакли, которые не идут в репертуаре. На них невозможно продавать билеты, они уже сошли с репертуара. Казалось бы, почему бы их не показывать людям, которые интересуются историей театра, которые любят театр, которые бы смотрели их в такой онлайн-версии. Но их никогда не показывали".

Правильный вопрос внезапно возник в голове главного редактора журнала "Театр". Надеемся, что следующим вопросом будет такой: почему архив журнала "Театр" не отсканирован и не выложен в интернет?

Столько раз слушал вторую арию Царицы ночи, что решил, что всё-таки надо посмотреть и послушать эту оперу целиком. Скачал запись постановки режиссёра Пьера Оди, показанную на Зальцбургском фестивале. На немецком языке, конечно. Отличная постановка. Яркие, разноцветные, на грани китча декорации и костюмы. Принц и принцесса довольно корпулентные, смешно за ними наблюдать. Шикарная Царица ночи в исполнении Дианы Дамрау. Мавров играют перекрашенные белые актёры — я думал, в 2006 году такого в Европе уже не было. На занавесе примитивистский рисунок андрогина — существо с женской грудью и пенисом. Зрители аплодируют во время спектакля, и режиссёр это явно учитывал — после самых убойных номеров паузы. После второй арии Царицы ночи аплодисменты длятся полминуты! Это в Зальцбурге, где вроде бы избранная публика. Если уж в Зальцбурге аплодируют во время спектакля, то в Тюмени подавно можно.

Тюменский драматический театр 28 июня формально закроет сезон, а 25 июня труппа вышла из отпуска и начала репетиции старых и новых спектаклей (ссылка). Все актёры уже в театре, включая старшее поколение, которое по постановлению правительства Тюменской области должно сидеть в самоизоляции.

Археологи нашли, как они полагают, остатки самого первого в Лондоне театрального здания. Оно называлось "Красный лев" и было построено в 1567 году -- до знаменитого шекспировского "Глобуса". Там же археологи нашли собачьи кости. Вероятно, это место в 17-м веке использовалось для травли зверей (новость).

На канале Тюменского драмтеатра 6-я глава видеомемуаров актёра Сергея Кутьмина -- о приезде в Тюмень. Начало традиционное для всех рассказов о Тюмени 1970-х годов: "Тюмень меня встретила пылью и грязью". Причём мемуарист приехал не из столиц, а из другого сибирского города, но всё равно -- пыль и грязь. Против инварианта не попрёшь, как говорит один известный структуралист.

Премьера в «Ангажементе» прошла 27 марта — из-за карантина без зрителей, но с операторами. Сегодня запись показали по телеканалу «Тюменское время» (смотрел на сайте).

Честно говоря, не хотел идти на этот спектакль, билет не покупал. С одной стороны, режиссёр М. Иванов, который поставил спектакль «Я убил царя» — это плюс. С другой стороны, в основе рассказ тюменского писателя, православного и, очевидно, националиста — это минус. Но бесплатно посмотрел.

История о солдате Иване, который после контузии потерял память и побывал сначала в гитлеровском лагере, потом в сталинском. Ряд эпизодов: война, первый лагерь, второй лагерь, освобождение, встреча с другим солдатом. С историей Ивана перемежается история о манкурте из романа Ч. Айтматова. Ивана играет Д. Рекало. Остальных персонажей, в том числе рассказчика истории о манкурте, играет Л. Окунев. Ещё на сцене целый хор актрис, причём они играют и мужских персонажей. Музыки почти нет, актрисы поют народные песни — почему-то сплошь украинские. Шум войны или поезда тоже изображается актрисами. Декорации условные: оба лагеря показаны с помощью ворот с колючей проволокой, стол, тачка, бревно, ящики — всё деревянное. Костюмы: Иван в военных штанах и белой рубахе, актрисы в чёрных платьях, рассказчик истории о манкурте в одеянии с намёком на что-то восточное. Когда актрисы изображают немецких солдат, то вместо касок у них кастрюли, а вместо оружия палки.

Постановка просто отличная, мера условности почти идеальная для меня. Но отталкивает просматривающаяся идеология автора рассказа. Иван постоянно повторяет, что он русский — это единственное, что он помнит о себе. Другой солдат заказывает молебен (!) по убитым товарищам. Впрочем, идеология режиссёра не так очевидна. Он в своих спектаклях не боится касаться касаться острых исторических тем — убийство царя, сталинские репрессии, — но не навязывает свою трактовку, а оставляет окончательное решение за зрителем. Спектакль можно воспринять просто как историю о маленьком человеке, который попал в мясорубку истории. В 20-м веке миллионы русских Иванов попали в такую мясорубку. Впечатления от спектакля смешанные — не знаю, пойду ли я смотреть его живьём после карантина.

Во время карантина оживился Ютьюб-канал Тюменского драмтеатра. Там проводятся интервью в прямом эфире, выкладываются записи старых и новых спектаклей и другие видео.

Вчера было интервью с режиссёром Р. Габриа. Он поставил в ТДТ выдающиеся спектакли "Господа Головлёвы" и "Пушкин, Моцарт и Сальери", а также спектакль "Грязнуля", который я из-за карантина так и не увидел, но уверен, что он тоже выдающийся. После интервью небольшой фильм о создании спектакля "Господа Головлёвы". Отдельно выложены видео о кастинге для нового спектакля "Бесы", который выйдет осенью. Уже сейчас понятно, что это будет "издевательство над классикой", какое я люблю. Представляю, сколько будет воплей среди зрительниц хотя бы из-за того, что некоторые мужские роли будут играть женщины.

Реж. Е. Вахтангов и Р. Симонов, по пьесе К. Гоцци.

Спектакль Вахтангова 1920-х годов, восстановленный в 1960-х годах. Начинается сразу с разрушения четвёртой стены: с представления актёров, которые выходят во фраках и вечерних платьях. Потом актёры не переодеваются, а просто накидывают сверху костюмы своих героев. Маски комедии дель-арте — Гриценко, Яковлев, Ульянов — разыгрывают чистую клоунаду, с анахронизмами и т. д. Главные герои — Лановой, Борисова, Максакова — тоже играют условно, с преувеличенными эмоциями, показывая, что это всего лишь театр. Декорации похожи на супрематистские картины Малевича. Костюмы у масок, как в комедии дель-арте, а у остальных героев — условно-восточные, с тюрбанами и т. д. (В пьесе действие происходит в Пекине, но в спектакле — видимо, по политическим причинам — Китай и Пекин не упоминаются, хотя упоминается Конфуций.) Короче говоря, настоящий авангардизм.

Этот спектакль — уникальная возможность прикоснуться к авангардистскому театру 1920-х годов. Такой был театр, и такой театр уничтожили упыри! Потом пришлось восстанавливать не только этот спектакль, а само явление условного театра. Любимов начинал как раз в Театре им. Вахтангова. Прошло более полувека, а распавшаяся связь времён до сих не до конца восстановилась. Когда что-то подобное ставят в Тюмени, то тут же раздаются крики: «Я ничего не поняла» и «Это издевательство над классикой». Хотя условный театр сам по себе классика — ему уже сто лет, начиная с Мейерхольда, Вахтангова, Брехта.

Посмотрел 6 постановок С. Образцова. Образцов ставил кукольные спектакли для всех возрастов: и детские спектакли, и взрослые спектакли. Он превратил театр кукол в полноценное искусство. Это даже сейчас кажется новаторством: например, в Тюменском театре кукол идут исключительно спектакли для малышни. (В скобках оценка: 1 — плохо; 2 — хорошо, но пересматривать не буду; 3 — отлично, буду пересматривать.) ( Read more... )

Посмотрел 10 постановок С. Юрского. Они интересны благодаря двум обстоятельствам. Во-первых, это сам Юрский — и как актёр, и как автор пьес. Во-вторых, выбор материала: фарс, гротеск, абсурд. Это больше всего было интересно Юрскому. Сначала скачал семь постановок, потом захотелось ещё посмотреть на Юрского и скачал ещё три постановки. (В скобках оценка: 1 — плохо; 2 — хорошо, но пересматривать не буду; 3 — отлично, буду пересматривать.) ( Read more... )

Посмотрел 11 постановок О. Ефремова. Ефремов — не великий театральный режиссёр. Самые интересные постановки по форме — это те, где добавлены элементы условного театра: «Большевики» и особенно «Так победим», и они же при этом самые идеологизированные. Остальные спектакли поставлены банально. Как кинорежиссёр Ефремов тоже уступает своим великим современникам, в том числе Эфросу. (В скобках оценка: 1 — плохо; 2 — хорошо, но пересматривать не буду; 3 — отлично, буду пересматривать.) ( Read more... )

Премьера: «Восемь женщин» в Драмтеатре, по пьесе Р. Тома.

Третий спектакль С. Захарина после «Испанской баллады» и «Новеченто». Третий раз — вроде понравилось, но без восторгов. Игра актрис условная, с подчёркнутыми жестами. Как всегда у Захарина, много пластики. Оформление сцены довольно простое и статичное. Синие портьеры по периметру. На фоне синих портьер — предметы белого цвета: восемь стульев, туалетный столик, ванна, дверь в комнату жертвы. Посередине бутафорское дерево, которое сначала вызывает недоумение, как будто это детский утренник.

Выбор актрис почти без сюрпризов. С. Илюшина, М. Кошеляева и Д. Терёшина играют молодых красоток уже не в первый раз: соответственно, Катрин, Сюзон и Луизу. Илюшина опять девочка-оторва, Джульетта с катаной. Т. Пестова играет постаревшую красотку Габи, что оправдано. Ж. Сырникова — другую постаревшую красотку, Пьеретту, что не очень оправдано. К. Тихонова играет старую деву Огюстину, чисто комически, местами как будто заимствует приёмы Скобелева. Е. Махнёва так же комически играет Бабушку.

Обещали мюзикл, но это не мюзикл, а спектакль с песнями. У каждой героини — своя песня. На чистый мюзикл Драмтеатр не решается уже второй раз: «Мёртвые души» тоже поначалу обещали как мюзикл. Песни специально написала московская инди-поп-группа «OQJAV». Песни вроде неплохие, например песня Катрин, но можно было обойтись без них. Вообще у этой группы хорошие песни с небанальными рифмами, которые теперь используются только в рэпе: кажется — на живца и т. д. Музыканты группы приехали в Тюмень и в антракте спели несколько песен в фойе, в том числе самую относительно хитовую песню — «Джек». 8 марта будет концерт в Драмтеатре же.

Режиссёр, кажется, взял для спектакля не собственно пьесу, а сценарий фильма Ф. Озона. И в этом главная проблема. Если вы берёте сценарий Озона, то сравнение с фильмом неизбежны, и в сравнении с фильмом спектакль проигрывает. Пьеса мизогиническая — женщина как сосуд греха, — а у Озона никакой мизогинии нет. Фильм Озона — это оммаж и актрисам, особенно звёздам прошлых лет, и жанру мюзикла, поэтому нужны песни, и старомодному детективу, поэтому подчёркивается антураж в духе романов Агаты Кристи. Против мизогинии и апологетика лесбийской любви, и преображение старой девы. В спектакле актрисы не настолько звёзды, песни не нужны, антуража старомодного детектива нет. Преображение старой девы комично. Лесбийская любовь — просто цитата из фильма и слабая попытка эпатажа. Остаётся мизогиния из пьесы. На бутафорском дереве висит яблоко, и каждая героиня пытается допрыгнуть до этого яблока. Это Древо познания и запретный плод, а каждая героиня — Ева.

В финале актрисы переодеваются в свадебные платья и заново начинают читать текст пьесы. Мне понравился этот ход, но сейчас я не могу придумать, что он означает.

В июне последний раз покажут спектакль-долгожитель «Он, она, окно, покойник». Новый спектакль станет отличной заменой уходящему, ведь его можно воспринимать просто как лёгкую комедию. Для театра — уже хлеб.

Первый раз сидел в амфитеатре, в 10-м ряду, на 10-м месте. В общем, нормально видно, даже лучше, чем с самого края партера, или из середины второго ряда, или, тем более, из ложи. Можно немного сэкономить денег. Тётки вокруг болтали весь спектакль — и сбоку, и спереди. Ненависть, ненависть, ненависть!!!

После спектакля был розыгрыш призов от спонсоров. Я, конечно, ничего не выиграл.

Посмотрел 15 постановок А. Эфроса. Режиссёрский стиль в большинстве постановок Эфроса очевиден. Он отчасти заметен уже в первых трёх фильмах и дальше почти во всех постановках. Актёры играют в особой манере, как бы приглушая эмоции. Они говорят негромко, иногда почти шёпотом, но это не значит, что эмоции отсутствуют. В фильмах и фильмах-спектаклях часто крупные и сверхкрупные планы. Декорации и костюмы часто не важны. Комические сцены, в основном, не комичны. Экшн, в основном, удаляется или смягчается. Эти постановки более современные, чем большинство современных спектаклей. Хотя я очень не представляю, как они выглядели на сцене, ведь на сцене нельзя говорить шёпотом, и на сцене нет крупных планов. Я видел только две записи живых спектаклей: «Дальше — тишина» — обычный спектакль, в котором не заметен режиссёрский стиль, а «Буря» — это эксперимент, попытка совсем другой формы. Видимо, близки к театральным постановкам также «Месяц в деревне», «Ромео и Джульетта», «Тартюф». Но всё равно театральные постановки Эфроса оценить трудно, а вот экранные постановки — просто отличные. Эфросу надо было снимать больше фильмов, тогда бы он был в ряду с величайшими кинорежиссёрами той эпохи. (В скобках оценка: 1 — плохо; 2 — хорошо, но пересматривать не буду; 3 — отлично, буду пересматривать.) ( Read more... )

Посмотрел 13 постановок Г. Товстоногова. Большинство мне понравились, с удовольствием пересмотрю. Но, честно говоря, не понял, в чём особенность режиссёрского стиля Товстоногова, его отличие от других режиссёров. (В скобках оценка: 1 — плохо; 2 — хорошо, но пересматривать не буду; 3 — отлично, буду пересматривать.) ( Read more... )

Премьера: «Новеченто», Драмтеатр, малый зал, по пьесе А. Барикко.

Пьеса Барикко — история о гениальном музыканте, который никому не был известен, рассказанная его другом, тоже музыкантом. Сюжет в духе романтизма, с ходу вспоминается рассказ Одоевского о гениальном художнике, который никому не был известен. Наверняка есть ещё что-то подобное. Переводчик внёс путаницу, оставив в названии итальянское слово. Конечно, пьеса итальянского писателя, и она называется по-итальянски, но сюжет никак не связан с Италией. Скорее, он связан с США, и у главного героя англосаксонское имя. Непереведённное слово привносит ненужный итальянский колорит.

Пьеса мне не понравилась. Интересная задумка, полное отсутствие сюжета и плохо прорисованные персонажи, в том числе главный герой. Зато пьеса оказалась хорошим материалом для спектакля.

Моноспектакль, в роли рассказчика С. Осинцев, это его бенефис: 50 лет жизни, 30 лет на сцене. В фойе висят плакаты с рассказом о жизни Осинцева и о его спектаклях. Пианист, дядька как будто из нуарного фильма, играет джаз. Зрителей угощают шампанским — это я не одобряю — и фруктами на закуску.

На сцене: три старых телевизора, деревянные ящики, пианино, корабельная мачта с парусом. Сначала включаются телевизоры: идёт американское лейт-найт-шоу, заранее записанное с помощью тюменского ТВ. Так довольно блёклый телеведущий — прямо скажем, не Де Ниро — попал в театр. Рассказчик начинает рассказывать свою историю по телевизору. Только потом он появляется на сцене. Главный герой, гениальный музыкант, изображён в виде… игрушечного зайца! Другой персонаж, «творец джаза» — в виде ящика с нарисованным мелом силуэтом. Рассказчик отчасти изображает всех этих персонажей, не без особого перевоплощения, оставаясь рассказчиком.

Хотя это моноспектакль, на сцене есть ещё три молодых актёра, которые меняют декорации, танцуют, изображают массовку, вступают в безмолвное общение с рассказчиком. Передвижения четырёх актёров отточены, как в балете. Режиссёр С. Захарин ранее поставил спектакль «Испанская баллада», там тоже было много пластики.

Много музыки, которая специально написана литовским композитором Ф. Латенасом: авангардный джаз или вроде того, я в музыке ничего не понимаю. Рассказчик не пытается играть на пианино и на своём инструменте — трубе, музыка звучит в записи.

Спектакль мне понравился: прекрасная работа Осинцева, который держит зал полтора часа, совмещение драмы и пластики, уместное видео, много условности. Но, как с «Испанской балладой», чего-то в нём не хватает, чтобы мне захотелось посмотреть его второй раз.

Зрители сидели молча, и особенно было противно слышать звонки мобильников. Сидевшая рядом со мной тётка сказала своей подруге перед началом: «Я звук убавила, а то вдруг позвонят». Я еле сдержался, чтобы не —

В марте новая премьера Захарина — мюзикл «Восемь женщин». Не хотел на него идти — цена кусается, — а теперь захотел. Большой зал в ТДТ так устроен, что в нём не сэкономишь на билетах: надо покупать самые дорогие, а то полспектакля останется за кадром.

Исследован репертуар российских драматических театров сезона 2018-2019 годов. 393 театра, 9503 спектакли, 1736 авторов.

Авторы, произведения которых ставились не менее 40 раз:
А. Н. Островский - 365
A. П. Чехов - 321
Н. В. Гоголь - 250
B. Шекспир - 215
А. С. Пушкин - 212
Ф. М. Достоевский - 137
Х. К. Андерсен - 125
Р. Куни - 110
Е. Л. Шварц - 108
Мольер - 104
М. А. Булгаков - 102
Я. А. Пулинович - 80
А. В. Вампилов - 79
А. М. Горький - 75
И.С. Тургенев - 68
Ш. Перро - 65
C. Я. Маршак - 64
А. М. Володин - 61
Н. В. Коляда - 61
К. Гольдони - 60
А. Н. Толстой - 59
М. Камолетти - 57
A. Н. Арбузов, Л. Н. Толстой - 55
Г. И. Горин, А. Цагарели - 54
B. Шукшин - 51
К. Людвиг, М. Макдонах - 50
М. Бартенев, А. Коровкин - 49
Т. Уильямс - 48
О. Уайльд - 47
М. Ладо - 44
С. Т. Аксаков, Э. Шмитт - 42
А. Линдгрен, Ю. Поляков - 41
И. Вырыпаев, В. Красногоров, В. Сигарев - 40

Пьесы, которые ставились не менее 20 раз:
60 постановок - «Женитьба» Н. В. Гоголя
59 - «Ревизор» Н. В. Гоголя
54 - «Ханума» А. Цагарели
52 - «Вишневый сад» А. П. Чехова
47 - спектакли по рассказам А. П. Чехова
44 - «Очень простая история» М. Ладо, «Примадонны» К. Людвига, «Ромео и Джульетта» В. Шекспира
42 - «Аленький цветочек» С. Т. Аксакова, «Гамлет» В. Шекспира, малые пьесы А. П. Чехова
41 - рассказы В. М. Шукшина, «Чайка» А. П. Чехова
40 - «№ 13» Р. Куни
35 - «Старший сын» А. В. Вампилова
34 - «Щелкунчик» Э. Т. А. Гофмана
33 - «Волшебник изумрудного города» А. М. Волкова, «Горе от ума» А. С. Грибоедова
32 - «Снежная королева» Х. К. Андерсена
31 - «Безумный день, или Женитьба Фигаро» П. Бомарше, «Конек-горбунок»
П. П. Бажова, «Кошкин дом» С. Я. Маршака, «Тартюф» Мольера, «Три сестры» А. П. Чехова
30 - «Гроза» А. Н. Островского, «Золотой ключик» А. Н. Толстого, «Золушка» Е. Л. Шварца, «Кот в сапогах» Ш. Перро, «Преступление и наказание» Ф. М. Достоевского
29 - «Женитьба Бальзаминова» А. Н. Островского
28 - «Малыш и Карлсон» А. Линдгрен
27 - «Золотой цыпленок» В. Орлова, «Мой бедный Марат» А. Н. Арбузова, «На всякого мудреца довольно простоты» А. Н. Островского
26 - «День рождения кота Леопольда» А. Хайта
25 - «Доходное место» А. Н. Островского, «Земля Эльзы» Я. Пулинович, «Пять вечеров» А. М. Володина, «Сказка о царе Салтане» А.С. Пушкина, «Слишком женатый таксист» Р. Куни, «Сон в летнюю ночь» В. Шекспира, «У ковчега в восемь» У. Хуба
24 - «Варшавская мелодия» Л. Зорина, «Остров сокровищ» Р. Л. Стивенсона, «Тетки» А. Коровкина
23 - «Боинг-боинг» М. Камолетти, «Васса Железнова» А.М. Горького, «Дядя Ваня» А. П. Чехова
21 - «Вождь краснокожих» О'Генри, «Двенадцатая ночь» В. Шекспира, «Игроки» Н. В. Гоголя, «Лес» А. Н. Островского, «Поминальная молитва» Г. И. Горина, «Ужин с дураком» Ф. Вебера, «Ужин по-французски» М. Камолетти
20 - «Бешеные деньги», «Волки и овцы», «Свои люди - сочтемся» A. Н. Островского, «Мертвые души», «Ночь перед Рождеством» Н. В. Гоголя, «Пигмалион» Б. Шоу

Авторы с наибольшим количеством поставленных произведений:
А. Н. Островский - 42
А. П. Чехов - 37
Н. Коляда - 36
А. С. Пушкин - 30
В. Шекспир - 25
А. М. Горький, Л. Н. Толстой - 21
Ф. М. Достоевский - 20
Н. В. Гоголь - 18
Я. Пулинович, И. С. Тургенев - 17
И. Васьковская, B. Красногоров, В. Ольшанский, В. Сигарев - 16
М. А. Булгаков, Н. Саймон - 15
Х. К. Андерсен, К. Гольдони, В. Илюхов, Ю. Поляков, Т. Уильямс - 14
М. Бартенев, Э. Шмитт - 13
Ж. Ануй, бр. Гримм, Мольер, Е.Л. Шварц - 12
А. М. Володин, И. Вырыпаев - 11

Автор статьи делает вывод о консервативно-популистской репертуарной политике: много классики, мало современной драматургии, много комедий (научная статья).

На Планете открылся сбор денег для нового театра в Тюмени -- Чёткого театра. Его создают люди из "Ангажемента", которые делали проект "Чёткие читки". Никому не рекомендую и никого не прошу давать деньги. Ваши деньги -- решайте сами. Я и сам пока ничего не решил.

С одной стороны, непонятно направление нового театра. В нём участвует драматург Шергин, взгляды которого мне довольно противны: наслушался Летова, и до сих думает, что быть поклонником СССР и Сталина -- это значит быть нонконформистом. Не знаю, какие взгляды у главного режиссёра Д. Рекало, который играл и Сталина в комедии, и Николая Второго в трагедии/трагифарсе. Конечно, глупо ждать политического театра типа Театра.док. Для Тюмени это ненаучная фантастика.

С другой стороны, целый новый театр! Обещают современную драматургию и экспериментальные формы. На одной "чёткой читке" я был, это был почти спектакль. Пьеса совсем не сталинистская, а наоборот -- про Западносибирское восстание. Жаль, что спектакль так и не появился. Я не видел появление "Ангажемента", ни даже появление театрального центра в "Космосе". А здесь шанс увидеть рождение нового театра, да ещё посодействовать этому рождению.

"Выбирай, но осторожно. Но выбирай".

Премьера: «Шукшин, мон амур», Драмтеатр, по рассказам В. Шушкина.

Новый спектакль троицы Скобелев — Аузин — Кудрин. Предыдущий, «Пушкин, Моцарт и Сальери», был экспериментальным и неоднозначным. Не скажу, что он мне сильно понравился, но там была видна работа режиссёра. Нынешний спектакль — простой, как репка. Три актёра исполняют рассказы Шукшина: три рассказа и четвёртый в качестве рамки. Три рассказа очень смешные, четвёртый заканчивается трагически, для контраста.

Режиссура банальна: простая композиция из четырёх рассказов. Ни одного оригинального решения. Выпивание «водки» — значит, бутылка с «водкой», стаканы и настоящий зелёный лук. Героиня-швея — значит, стоит швейная машинка. Микроскоп — значит, микроскоп, хотя какой-то сувенирный. Смех вызывается простыми, но действенными способами: алкоголь, материально-телесный низ, травестия. Псевдораскалывания и псевдоимпровизации тоже не оригинальны — они были в «ПМС». Это уже фирменные приёмы троицы.

Костюмы банальны: старомодные пиджаки, сапоги, кепки, женские платки. Декорации банальны: табуретки, мешки, оконная рама, чемоданы и ящик с салатом как символы деревни, занавешанные зеркала как предвестники смерти (зрительница сзади сказала своим подругам: «Что, кто-то умер? Судя по зеркалам, да»), швейная машинка для героини-швеи. Из всего набора я бы оставил только банные веники: когда актёры их запаривают, то разносится такой запах, что у любого зрителя деревня предстанет в мозгу без всяких табуреток и ящика-грядки. В финале инсталляция: изображение деревни из подручных средств — это мило.

Зрители в восторге: весь спектакль смех и аплодисменты. Для фанатов и фанаток Скобелева и Аузина — это идеальный спектакль. Для любителей чистой комедии — тоже, несмотря на трагический финал. Трагический финал не создаёт второго плана. Я тоже фанат Скобелева и Аузина, я тоже смеялся и аплодировал, но постоянно ждал, что вот в следующей сцене режиссёр как-то проявит себя. Не проявил. Получился очередной средний спектакль, который можно посмотреть один раз ради актёров.

Премьера: «Я убил царя (Расследование)», «Ангажемент», по пьесе О. Богаева.

Даже не вторая часть, а второй вариант того спектакля, который проходил в Доме печати 10 декабря. Первый вариант — иммерсивный спектакль, второй — традиционный спектакль по той же пьесе. Те же монологи из пьесы с добавлением отсебятины.

Начинается серьёзно — с истории Романовых и с проклятья Марины Мнишек. Потом идут монологи персонажей. Каждый монолог сделан как отдельный номер. Монолог электрика — с электрогитарой. Монолог мойщицы превращён в диалог — это один из лучших номеров. Позже он повторяется в исполнении другого персонажа. Звучит песня в стиле рок с живым оркестром. Монологи становятся серьёзнее. Я думал: всё так хорошо началось, по-гоголевски, а превращается опять в Достоевского из учебника, как в первом варианте.

И тут действие прерывается разрушением четвёртой стены: «Что происходит? Я столько лет работаю в театре! Что вы несёте? — К зрителям: — Вы знаете, что такое Кровавое воскресенье?» и т. д. Видео: «Quentin Tarantino презент. Сергей Безруков отказался сниматься в этом фильме, потому что в нём нет ни одной берёзки» — с документальными кадрами революции, войны, выступления Горбачёва, расстрела Верховного совета в 1993 году. Номер с рестораном «Ипатьевский»: «Мне блюдо «Алёшкины слёзы». Финальный монолог коменданта в исполнении его офигевающей прапраправнучки. Опять духовная музыка, и где-то за сценой исчезает царская семья.

Декорации лаконичные: столы, стулья. Точнее сказать, декораций нет. Они и не очень нужны. Важнее свет. Начинается с темноты, с фонарика. Потом свет. Опять темнота, прожектор выхватывает того персонажа, который читает монолог. При разрушении четвёртой стены свет зажигается и в зале. Свет важен и в иммерсивном варианте, который проходит в полутьме.

Отличный спектакль. Именно за счёт отсебятины, за счёт добавления комического, за счёт разрушения четвёртой стены второй вариант, мне кажется, ближе к фантасмагорическому тону пьесы. Тут уж никакого культа Николая Второго нет, как и в пьесе. Второй вариант может существовать отдельно от первого варианта. В то же время оба варианта всё-таки составляют единство, работают на контрасте: серьёзность первого и фантасмагория второго. Ещё, кстати, непонятно, какой вариант более экспериментальный.

Первый вариант зрители восприняли, кажется, лучше: все априори знали, что это новая форма и готовы были эту новую форму принять. Второй вариант, кажется, поставил зрителей в тупик. Они ожидали действительно традиционный спектакль, а получили трэш и угар. На аплодисментах никто не встал! Второй раз на моей памяти тюменские зрители не встали на аплодисментах (первый раз: на спектакле Пермского театра-театра «Маленькие трагедии»). Пришлось встать мне, а за мной и другие подтянулись.

Единственный минус — курят сигареты на сцене. Маленький зал, вентиляция плохая. Это очень неприятно. Вредно для здоровья. В зале люди немолодого возраста и разного состояния здоровья, а на сцене вообще ребёнок. Зачем же их всех — нас всех — травить?

Перед спектаклем выступили Окунев и режиссёр. Окунев сказал, что спектакль профинансировал фонд Никиты МихАлкова (ударение Окунева). Что-то я сомневаюсь, что барину результат понравится.

*

Перед спектаклем администратор(ка), которая меня запомнила с прошлого раза, попросила потом остаться для интервью. Я остался и ждал, пока журналистка закончит интервью с другой зрительницей, и смотрел, как актёры накрывают столы для банкета. После каждой премьеры у них банкет. Горы натёртой свеклы и морковки, но и огромная кастрюля супа с курицей, что ли. Заглянул во внутреннюю жизнь театра.

Наконец администратор(ка): «А вот у меня ещё один зритель». Журналистка: «А мне одного хватит. Такое подробное интервью получилось. Вы не сильно обижаетесь?» Я как джентльмен, конечно, виду не подал, но вообще я обиделся. Физиономией, понимаете ли, не вышел. Минута с моей физиономией не повредила бы репутации тюменского телевидения. О, физиономия моя!.. Не на свидание же я набивался, тем более, я сам никуда и не набивался. Но это не испортило мне впечатление от спектакля.

Премьера: «Я убил царя (Soundtravel)», «Ангажемент» в Доме печати, по пьесе О. Богаева.

Пьеса Богаева отличная. Совсем не является частью того культа Николая Второго, который сейчас везде навязывается. В пьесе хорошо показано, что последний император был никому не нужен. Когда он отрёкся, был праздник, и никто — ни православная церковь, ни офицеры — не вступился за «помазанника божьего» и главнокомандующего. Когда его расстреляли, то всем вообще было плевать.

Пьеса состоит из монологов. Монологи жителей Екатеринбурга, простых русских людей, православных, которые рассказывают, как им плевать на убийство царской семьи. Монологи убийц, которые гордятся тем, что сделали. Монолог пуделя, который принадлежал царевичу Алексею, но и пуделю не жалко своего бывшего хозяина. Абсурдный монолог академика. Монолог черепа номер четыре — Николая: «Меня тоже убили? И девочек? Наши люди не способны на это!». Я на месте автора усилил бы фантасмагоричность и добавил бы, например, монолог Ипатьевского дома.

Спектакль проходил в Доме печати, на 4-м этаже, в ещё одном креативном арт-пространстве. Все креативные арт-пространства делятся на два типа: одни нашли деньги на постройку нового здания (Музейный комплекс им. Словцова) или на ремонт старого здания («Космос»), а вторые не нашли деньги на ремонт и делают из этого фишку. Креативное арт-пространство в Доме печати относится ко второму типу.

Спектакль сделан в модной форме — это иммерсивный театр, когда зритель не сидит на месте и не смотрит на сцену, а ходит по локациям и сам как бы (!) участвует в спектакле. Раздают наушники, в них звучат монологи из пьесы. Персонажей, которые произносят монологи, нет, а на локациях, в полутьме — члены царской семьи. Царевны-красотки водят зрителей от локации к локации, тут же бегает мальчишка-царевич, а Николай и Александра сидят порознь. Зрители наблюдают за жизнью царской семьи в Ипатьевском доме. В финале, когда все монологи выслушаны, члены царской семьи и их спутники встают в красивые позы под духовную музыку. Затемнение, выстрелы.

Пьеса — не часть культа Николая, а спектакль — часть этого культа. В пьесе персонажи рассказывают, что им плевать на царя: ну, убили и убили, отстаньте, у меня свои заботы. Пофигистичность персонажей контрастирует с трагичностью события. В спектакле же монологи произносятся самым трагическим тоном. Пудель не исключён, но исключены академик и череп номер четыре, т. е. снижен уровень фантасмагоричности. Зрителю сразу дают понять, что произошло нечто ужасное. Пьеса ведь местами очень смешная, но зрители на спектакле явно стеснялись улыбаться, ведь всё так серьёзно. Если пьеса — это Гоголь, то спектакль — это Достоевский, но Достоевский из школьных учебников.

Организационные мелочи. Куртки посоветовали не снимать, потому что некоторые локации находятся на крыше, но большинство — всё-таки в помещении, и в куртках там неудобно. Наушники на ушах, а плееры надо таскать в руках, чтобы переключать треки, ещё надо таскать в руках бумажку с обозначением локаций, и это неудобно. Забавна подготовка зрителей к спектаклю — все эти объяснения, раздачи наушников, распределения по группам, просьба не забыть вернуть наушники и бумажки. Потом вышел сам режиссёр и тянул время, как он сам признался, потому что предыдущий показ не закончился. Перед спектаклем «В поисках автора» с виртуальными очками и то было меньше подготовки.

Я за всяческие эксперименты в искусстве, и я поддерживаю все новые театральные формы. Было любопытно первый раз побывать на иммерсивном спектакле — хорошо, что не пропустил. Но у меня опять, как и после спектакля «В поисках автора», возникает вопрос: а нужны ли эти технические ухищрения? Нужны ли наушники, или можно было посадить актёров на локациях, чтобы они произносили эти монологи? Можно ли слушать монологи в наушниках и одновременно рассматривать локации, наблюдать за актёрами? Не мешает ли одно другому? Мне, честно говоря, мешало, я же не миллениал, я не владею навыками мультизадачности. (Хотя один зритель, тоже не миллениал, успевал и слушать, и смотреть, и в смартфон пялиться, и по нему разговаривать, и с него фотки делать, и общаться со своей дамой.) Мне вспоминается замечательный спектакль-вербатим, который показывали в торговом центре ребята из театра «Май». Там была и новая форма, и увлекательное содержание, и всё было просто, лаконично, без технических ухищрений.

12 декабря будет вторая часть: традиционный спектакль «Я убил царя (Расследование)» в «Ангажементе». Посмотрим и сделаем окончательные выводы.

Премьера: «Иванов» в Драмтеатре, реж. Д. Чащин, по пьесе А. Чехова.

Опять Чащин в ТДТ, опять с классикой-переклассикой. Но теперь действие не перенесено в нашу современность, оно происходит и в прошлом, и в настоящем, везде и нигде. Поэтому на актёрах и современные костюмы, и под старину, поэтому текст не переписан. Так и нужно ставить Чехова, Шекспира и др. классиков.

Выбор актёров, как в «Господах Головлёвых»: они подобраны так идеально, что это слишком идеально. В «Молодости» были сюрпризы, а здесь никаких сюрпризов нет. Конечно, Иванов — это в одном составе С. Скобелев, а в другом А. Тихонов. Лебедев — это, наоборот, Тихонов и Скобелев. Вроде бы разные роли, но понятно, что оба могут с лёгкостью сыграть и то, и другое. Сегодня Иванова играл Тихонов, а Лебедева — Скобелев. Анна Петровна — Н. Никулина, опять страдающая влюблённая женщина. Саша — С. Илюшина, опять молодая страдающая влюблённая женщина. Жена Лебедева — К. Тихонова, опять властная тётка. Три эти актрисы сыграли в точности такие же роли в «Испанской балладе». Отлично сыграли комические сцены Н. Аузин — Боркин, А. Волошенко — Шабельский и М. Карцева — Бабакина. Аузин опять показал, что он может играть всё. Шабельский был всегда моим любимым персонажем в пьесе Чехова, и я его как-то иначе представлял, а теперь буду представлять только как Волошенко. Хотя и для Волошенко это повтор: в «Молодости» он сыграл такого же Большинцова.

Декорации просты, слишком просты: книжные шкафы, стулья. Как ни странно, используется традиционный занавес. По современным меркам, использование занавеса — это уже оригинально. За занавесом — ещё один вертикально поднимающийся занавес, на который выводится видео. Поворотный круг используется только в сцене вечеринки в доме Лебедевых.

Сцены просты. В основном, смотрятся только за счёт актёров. В «Молодости» для каждой сцены своё оригинальное решение. Тут решения совсем банальные: если любовь, то поцелуи, а если свадьба, то фата. В одной сцене Иванова и Анны Петровны — смелый намёк на оральный секс. Единственное исключение: вечеринка в доме Лебедевых. Это настоящий Чащин, с динамикой, с китчевыми костюмами а-ля Бартенев, с трэшем и угаром. Про настоящие сигареты и ненастоящую водку мне надоело повторять вопрос: «Зачем?!».

Самоубийство Иванова сделано отлично. На свадьбе Иванов достаёт револьвер, но не стреляется. Боркин всех фотографирует: «Раз, два…» — и тут Иванов падает без всякого выстрела. Затемнение. Поправка: отлично для тех, кто читал пьесу и знал, чем она закончилась. А зрители, не читавшие пьесу, не поняли, что произошло. Зритель на заднем ряду, который всё время болтал, так и спросил вслух: «Это что значит?»

Весь спектакль фоном идёт нудная, депрессивная музыка, которая изображает настроение главного героя. Даже в комических сценах та же музыка. Она прерывается какой-то современной попсой, которую я совсем не знаю. Эта же попса звучала и в фойе перед спектаклем. Видео на втором занавесе тоже изображает настроение героя: сверхкрупные планы Анны Петровны в первом действии и Саши во втором. Актрисы-красотки выглядят на этих видео довольно жутковато.

Это был бы отличный спектакль для любого другого режиссёра, но для Чащина — шаг назад. В интервью Чащин прямо говорил о мессидже: Иванов — это современный человек, надорвавшийся на проектах и дедлайнах. Но этот мессидж остался в интервью. В спектакле ничего такого нет, один раз Иванов упоминает «проекты». В начале мы видим свадьбу Иванова и Анны Петровны — и вот уже Иванов надорвался. Так на каких проектах и дедлайнах он надорвался? Режиссёры, как я заметил, заранее раскрывают мессидж, зачастую спекулируя модными словечками, а в спектакле его раскрыть забывают. Зато критики довольны: не нужно думать о смысле, достаточно повторить то, что уже сказал режиссёр. В «Молодости» действительно была погоня за молодостью — в прямом и переносном смысле, — а в «Иванове» никаких проектов нет.

Может быть, проблема в том, что сам Чащин — это Иванов на грани надрыва? Он нагрузил на себя кучу мешков и тащит. У него только в декабре, кроме «Иванова», ещё две премьеры в других городах. Порадуемся за талантливого земляка, что он всем нужен. А если от этой сверхнужности страдает творчество? Не сбавить ли обороты?

Всё равно придётся когда-нибудь смотреть второй раз — из-за Скобелева. Сегодня он играл Лебедева, и зрители смеялись даже тогда, когда он говорил серьёзно. Впрочем, скобелевский Иванов не будет ли повтором скобелевского Ракитина?

«Господа Головлёвы» в Драмтеатре, по роману М. Салтыкова-Щедрина.

Роман перечитать поленился, как до этого поленился перечитать «Мёртвые души» и «Преступление и наказание», а какой был прекрасный повод! Кажется, сюжет соблюдён. Роман — мрачная, саркастическая история о деградации рода, о физическом исчезновении рода. В спектакле с самого начала нагнетается это ощущение катастрофы, апокалипсиса — с помощью сценографии, музыки, света, актёрской игры. Конец рода — это конец света.

Спектакль проходил в большом зале в формате «зритель на сцене», при этом была занята намного большая часть сцены, чем в «Анне Франк» и «Крейцеровой сонате». В «Анне Франк» формат подчёркивает клаустрофобичность, в «Крейцеровой сонате» — это разговор по душам, как бы один на один. Зачем такой формат нужен для «Головлёвых», я не очень понял. Можно было поставить обычный спектакль в большом зале.

Актёры все подобраны точь-в-точь. Настолько правильный подбор, что кажется слишком правильным. Нет какого-то сюрприза. К тому же некоторые повторили свои роли. К. Тихонова (Арина Петровна) — опять властная тётка, как в «Анне Франк» и в «Грозе», а потом в «Испанской балладе». Сравните с тем, что Тихонова сыграла в «Молодости». А. Тихонов — опять маньяк, как в «Крейцеровой сонате» и в «Методе Грёнхольма». А. Волошенко (муж Арины Петровны) — нервный толстячок. С. Скобелев (Павел) — клоун с фефектом фикции. Молодые красавцы — молодые красавцы. Молодые красотки — молодые красотки.

Основное действие происходит в поворотном круге. Здесь стоят старинные стулья и столы, пол усыпан чем-то похожим на сгоревшую бумагу, на пепел. Вне круга разрезанная вдоль железная труба — это «красный угол» со свечами, но без икон. И скелет коня как главное украшение. И пепел, и скелет, и «красный угол» — тут символика понятна, это для нагнетания мрачности.

Для того же и музыка. Лейтмотив — очень мрачный вариант песни «С чего начинается родина?» Народные песни, кабаретные номера — всё в этом спектакле звучит мрачно.

При просмотре «Головлёвых» сразу вспомнилась недавняя премьера ТДТ — «Мёртвые души». Тут пол усыпан чёрными ошмётками, там — белыми ошмётками. Тут помещики-уроды, там помещики-уроды. Тут дикие пляски, там дикие пляски. Тут массовка — слуги и крестьяне, там массовка — слуги и крестьяне. Но в «головлёвской» массовке нет никаких картузов и сарафанов. В спектакле вообще нет никакой клюквы для изображения исконной-посконной России, в отличие от «Мёртвых душ». Я бы сказал, что «Мёртвые души» выглядят как ухудшенный вариант «Головлёвых».

Хотя «Головлёвы» — тоже не идеальный спектакль. И формат для оригинальности, чем для необходимости, и слишком правильный подбор актёров, и опять эти еда-питьё-сигареты. Капуста, хлеб, суп, сахар-рафинад. Всё никак не могу понять, зачем в спектаклях используется настоящая еда, зачем по-настоящему есть на сцене. Если капуста настоящая, то почему вода вместо водки?

Всё-таки Р. Габриа — действительно режиссёр более высокого калибра, чем типичные режиссёры ТДТ. Он знает, как делать спектакль, как занять сцену, как организовать массовку, как использовать музыку и свет. Несмотря на еду-питьё, он знает законы театральной условности. Никакого стремления «показать эпоху». Больной герой как бы лежит в постели, при этом сидит на стуле. Сначала говорится о похоронах героини, а потом она умирает. Сцены, происходящие в разных местах с разными героями, показываются одновременно. Символы в его спектаклях не кажутся лишним украшательством: омары в «Пушкине, Моцарте и Сальери» или скелет коня в «Головлёвых». Обязательно посмотрю его третий спектакль в ТДТ — «Грязнулю».

«Раскольников», гастроли «Коляды-театра» («Ангажемент», малый зал), по роману Ф. Достоевского «Преступление и наказание».

Не очень хотел идти на гастрольные спектакли театра, который возглавляет доверенное лицо Путина. Но, как все говорят, он же гениальный драматург, гениальный режиссёр, гордость Ёбурга, «яркая индивидуальность». Даже когда он был на «Эхе», то пламенная оппозиционерка Кс. Ларина не упрекнула его в лизоблюдстве. Так что я выбрал один спектакль по классике. Режиссура Коляды, инсценировка Коляды, но всё-таки основа Достоевского — хоть что-то не от Коляды.

В спектакле три актёра: один играет Раскольникова (М. Халимбеков), двое других — всех остальных персонажей, включая женщин (И. Баркарь и В. Мелихов). Сразу впоминается спектакль «Мёртвые души» лесосибирского театра «Поиск», где один актёр играл Чичикова, а двое других — всех остальных. У лесосибирцев премьера была на два года раньше. Как это называется?

Спектакль начинается со сна о лошади, и это как будто должно задать атмосферу ужаса. Но нет, дальше начинается фарс, кривляние, переигрывание. Это оправдано, ведь у Достоевского столько же фарса, столько же карикатуры, как у Гоголя. Всех персонажей, кроме Раскольникова, играют сразу два актёра. Как будто отличный приём, но при этом Лужина почему-то играет только один актёр. Почему именно Лужина? Матери, сестры, Разумихина нет, и нет таких важных персонажей, как Мармеладов и Свидригайлов. Актёры читают много текста от автора, и иногда, особенно в начале, это похоже на радиоспектакль. Ключевая сцена убийства — просто литературные чтения. Это провальная сцена, совершенно не производит впечатления. Сцена с воскресением Лазаря «читается» по книге. Раскольников признаётся Соне в убийстве по мобильнику, но признание в участке не показано. То есть Сони тоже нет. А Настасья почему-то есть.

Оформление сцены: впереди сложенные кучей цепи, посредине деревянная скамья — кровать Раскольникова, поодаль стопка потасканных томиков Достоевского, стаканы с коктейлями, сбоку две чугунного литья розы. С цепями понятно — это вериги, юродивость, муки совести, деньги и всё что угодно. Раскольников появляется в цепях, получает цепи в качестве денег, а в финале, на каторге, обнажается, обвешивается цепями и обмазывается грязью. Что такое чугунные розы, непонятно. Костюмы: то платки старухи и Настасьи, то старомодное пальто Лужина, то спортивные костюмы с надписью «Russia» на Порфирии Петровиче. Спортивные костюмы — это выпад против патриотизма со стороны доверенного лица? В одной сцене актёры так хлопали дверью, что прожектор над дверью погас. Могли бы обыграть сей казус импровизационно.

По основному приёму спектакль напоминает лесосибирские «Мёртвые души», а тематически — пермского «Калигулу». Как в пермском «Калигуле», так и в «Раскольникове» все персонажи, кроме главного героя, задвинуты в тень. В финале Раскольников особенно напоминает Калигулу, когда отказывается раскаиваться. Хотя на роль Калигулы подошёл бы не только и не столько плакатный богатырь Халимбеков, сколько демонический Баркарь, который с замечательной язвительностью сыграл Лужина и Порфирия Петровича, жалко, что не Свидригайлова. (Посмотрел на сайте «Коляды-театра», и оказалось, что Халимбеков и Баркарь действительно играют Калигулу. Клянусь, мне мысль о сходстве пришла во время спектакля.)

В целом, ощущение, что ставил не гениальный режиссёр, а новичок. Скучноватый спектакль, особенно в начале. Много слов и мало действия. Вроде бы придуманы какие-то трюки, но в систему они не складываются. Трагические сцены не ужасают, фарсовые не смешат. К финалу спектакль разгоняется. Самая мощная сцена — это каторга с цепями и грязью. Вот и надо было весь спектакль сделать с цепями и грязью. В аннотации упоминается что-то про хайп, но это спекуляция модным словом. Ничего про хайп в спектакле нет.

В малом зале зрители сидели молча. Видимо, все были настроены на серьёзный спектакль по Достоевскому, поэтому никто не смеялся даже в самых фарсовых местах. Некоторые сбежали во время спектакля. Но на аплодисментах все встали и готовы были аплодировать, пока актёрам не надоест. Одна тётенька сказала на выходе своей спутнице: «Добрые у нас зрители».

«Мёртвые души», премьера в Драмтеатре, по роману Н. Гоголя.

Обещали музыкальный фарс. Режиссёрка из Перми, авторы песен из Москвы. Перед спектаклем на экран выводится много-много имён из гоголевских сочинений, не только из «Мёртвых душ». Это настраивает на что-то необычное.

Занавес поднимается, и опускаются сверху столики, производящие резаную бумагу, которой усыпана вся сцена. Я подумал: как круто, наконец-то художник Паненков научился делать динамичные декорации, уроки «Молодости» и «С любимыми не расставайтесь» не прошли даром. Нет, не научился. Весь спектакль мы видим голую сцену с резаной бумагой, на которую выезжают телеги с огромными колёсами. Это главное в оформлении сцены: бумага, она же солома, и телеги с огромными колёсами.

Чичиков (Н. Аузин) остался для меня непонятным персонажем. Он не похож на мошенника. Он сам выглядит как запутавшаяся в сетях — в резаной бумаге и соломе — жертва. При этом ему отданы большие куски текста от автора. Чичиков — это Гоголь? В финале он танцует дикий танец с мужиками и бабами — полностью сливается с окружающей средой. Нет, совсем не мошенник. Непонятный персонаж.

Отец (А. Тихонов) учит Чичикова уважать копейку, и на сцене постоянно появляется капитан Копейкин (Е. Медведев). Это безногий инвалид на тележке, и не поймёшь, какой войны он герой, — просто Отечественной или Великой Отечественной.

Губернатор (С. Осинцев) — более важный персонаж, чем в романе. С его патриотической арии и начинается спектакль. Он едет с Чичиковым к Манилову. Он постоянно просит взятки — расшитый кошелёк появляется не просто так. Он в доле с Чичиковым, и он-то и есть главный мошенник в спектакле — до поры до времени.

Манилов (К. Антипин) — это Манилов, даже сверх-Манилов. Плюшкин (С. Бёлозёрских) — это Плюшкин. Тут не было придумано ничего нового. Ноздрёв (С. Калинин) меньше Ноздрёва, удивительно тусклый персонаж, обидно за актёра. Зять Ноздрёва — жлоб, как в «Мёртвых душах» лесосибирского театра «Поиск».

Коробочка (Т. Пестова) — хозяйка публичного дома. Когда Чичиков просит у неё мёртвых, то это вызывает понятную реакцию. Я смотрел «Мёртвые души» лесосибирского театра, «Коробочку и Чи-чи-кова» молодёжного театра «Май», и вот теперь «Мёртвые души» ТДТ, и во всех трёх спектаклях во встречу Чичикова с Коробочкой добавлены сексуальные мотивы, везде вдова-помещица пытается соблазнить своего гостя. Ребята, это уже не оригинально.

Больше всего смеха и аплодисментов заработал Собакевич (С. Скобелев). Казалось, неожиданный ход — Скобелев в роли Собакевича. Но неожиданности мало — Скобелев на мощную мощность врезал Скобелева, играя со зрителями, как кошка с мышатами. «Лови его, мочи его в сортире!» — это совершенно не нужно для спектакля, но зрители, конечно, ржут. Ещё одна отличная комедийная роль Скобелева, но это не Собакевич, а, скорее, Ноздрёв. Собакевич тут тайно интригует против губернатора, и когда губернатор в финале умирает, то Собакевич становится губернатором. Вот кто главный мошенник в спектакле!

Массовка — мужики в картузах и бабы в сарафанах. Такая исконная Русь. Мы постоянно обвиняем иностранцев в клюкве, когда они изображают Россию. Но когда мы сами изображаем Россию, то получается та же клюква: солома, телеги, картузы, сарафаны, водка.

У каждого персонажа есть своя ария. Эти грамотные, скучные, незапоминающиеся попсовые песни, которые нужны спектаклю, как телеге — пятое колесо. Лучше бы песен не было, а было бы больше текста Гоголя.

Маркер среднего спектакля в ТДТ — это хождение актёров по зрительному залу. В «Ангажементе» это оправдывается маленькой сценой, а в ТДТ это ничем не оправдывается.

В целом, не знаю, что сказать. Опять впечатление недокрученности, как от «Обыкновенного чуда» и «Испанской баллады».

*

После спектакля Тюменский деловой клуб выдавал свою премию. Лучшим спектаклем стала, конечно, «Испанская баллада». Лучшая актриса — М. Карцева за «Испанскую балладу». Вот это справедливо.

*

В фойе опять выставка. Выставка абстрактной живописи. Прошло сто лет, и абстрактная живопись добралась до Тюмени, с чем я вас и поздравляю.

«Ромео и Джульетта», «Ангажемент», по пьесе У. Шекспира.

В целом, спектакль — типичная для нынешних времён постановка по Шекспиру, где смешиваются разные времена. Всё в серых и тёмных тонах — декорации, одежда, но главные герои в белых рубашках. В начале все будущие мертвецы — Ромео, Джульетта, Меркуцио, Тибальт, Парис — спускаются со сцены и смотрят на происходящее. И так же они смотрят на финальную сцену. Этим подчёркивается, что жертвы вендетты — не только заглавные персонажи, но вся молодёжь города, все наследники основных родов, ведь погибают и два родственника князя. Сцены гибели сделаны условно: мертвецы не падают, а застёгиваются и уходят. Сцена самоубийства Ромео и Джульетты тоже условна, она даже не показана: монологи звучат «за кадром», а мертвецы играют с лепестками цветов.

Впрочем, оценить спектакль по достоинству не могу, ибо мне мешало одно обстоятельство. На спектакль притащили школьников. Это всегда плохо, но в этот раз было невыносимо. Болтовня сзади продолжалась весь спектакль. И я, и другие зрители просили помолчать ближайших школьников — и во время первого действия, и в антракте, — но ничего не помогало. Сосредоточиться на спектакле было невозможно. На премьере «Всем кого касается» школьники тоже болтали, но они сидели далеко позади, теперь же болтовня звучала прямо над ухом. Хотел уйти в антракте, но пожалел денег. После спектакля я вышел в самом поганом настроении. И так мне погано. Я думал, хоть театр поможет, но сейчас не помог. Стало только хуже. Всем спасибо!

«Молодость», Драмтеатр, реж. Д. Чащин, по пьесе И. Тургенева «Месяц в деревне».

Смотрел второй раз. Режиссура действительно замечательная. Каждая сцена продумана, в каждой сцене какая-то метафора для изображения отношений персонажей. Беляев и Верочка вместе занимаются спортом — с одной стороны, это показывает их молодость и здоровье, с другой стороны, очевидный намёк на секс. Наталья Петровна и Верочка играют в бадминтон — это соперничество. И так далее. Декорации, музыка, свет — это не просто фон, это продуманные части сложнейшей композиции. В массовых сценах, особенно когда персонажи на двух этажах декораций, да ещё на экранах идёт какое-то видео, возникает эффект полиэкрана — просто не знаешь, куда смотреть от обилия действия. Действие заполняет всю огромную сцену. Кстати, сейчас понял, что рэп в начале — это текст «Касты» из видео «Молодость — это проза». Ни один критик про это не написал.

Критики правильно ругали режиссёра за слишком бережное отношение к тексту пьесы. Действительно речь некоторых персонажей, особенно второстепенных, звучит архаично. (В спектакле «В поисках автора» по пьесе Пиранделло «Шесть персонажей в поисках автора» режиссёр смелее обошёлся с текстом.) Ещё более архаично выглядят некоторые реалии, что я заметил ещё при первом просмотре. В спектакле ведь нет цели соединить прошлое и настоящее в некоем притчевом мире, как, кажется, собирается сделать режиссёр в новом спектакле по «Иванову». Тут именно попытка перенести действие пьесы в нашу современность. А для такого переноса нужно переработать не только текст, но и реалии.

Почему Верочка выходит замуж за Большинцова? Потому что в 19-м веке девушка должна была выйти замуж до двадцати лет, а если не вышла, то всё — до конца жизни остаёшься старой девой. Верочка — сирота, бесприданница, живёт в чужом доме, ей не найти молодого, красивого и богатого жениха. Поэтому, когда она оказывается в такой ситуации, то она выходит замуж за первого встречного — старого урода, зато богатого. Современная девушка повела бы себя как-то иначе. Верочка — воспитанница у Ислаевых. Но теперь даже нет такого понятия. Теперь бы она была приёмной дочерью Ислаева, и он бы свою приёмную дочь отправил бы в Москву, снял бы ей квартиру, давал бы деньги. Она бы поступила в универ, а потом бы стала независимой от своих приёмных родителей.

Беляев — непонятный персонаж. В пьесе это прогрессивный студент, поклонник Белинского. В спектакле это тупой качок, который работает аниматором и книг не читает. Зачем его нанимать учителем для мальчика? Чему он этого мальчика научит? Запускать змея? И как могло случиться, что ему пришлось для заработка переводить романы Поль де Кока (актёры говорят: «Поль де КокА»)? Если сейчас вдруг кто-то решит издать романы Поль де Кока, то возьмёт дореволюционные переводы. А если это будет перевод для «Литпамятников», то его будет делать профессиональный переводчик, а не студент за еду.

Наталья Петровна хочет научить Беляева французскому. Это в 19-м веке образованные люди знали французский, а теперь бы правдоподобнее выглядел английский. Но откуда жена полубандита-полубизнесмена знает иностранные языки? Знание иностранных языков было обычным для образованных дворян в 19-м веке, но не для круга полубандитов-полубизнесменов, доживших до начала 21-го века.

В общем, от второго просмотра у меня двойственное впечатление. Отличная режиссура, сценография, музыка, актёрская игра. Это действительно тот спектакль, который заслуживает аплодисментов стоя и криков «Браво». Но архаичность мешает. По сути, спектаклю требуется новая редакция — сохранить все отличные режиссёрские ходы, но более радикально переработать текст и реалии. Конечно, этого не произойдёт.

«Крейцерова соната» в Драмтеатре, по повести Л. Толстого, реж. А. Баргман.

Моноспектакль, в единственной роли А. Тихонов. Текст повести перетасован, повествование превращено в нелинейное. Герой один, обращается к невидимому собеседнику, т. е. к каждому зрителю. На сцене — стулья, столы, стаканы в подстаканниках, женские платья, зеркало. И большая тарелка рафинада, который герой жрёт, бросает в зеркало и т. д. Звучит «Крейцерова соната» Бетховена (зачем?). Актёрская игра великолепна, Тихонов показал свою многранность. Постановка хорошая, но не понимаю, почему спектакль попал в лонг-лист «Золотой маски».

Главная претензия к смыслу. Текст повести Толстого и перетасован, и, конечно, изрядно порезан. Порезан для того, чтобы уместиться в час времени, но не только. Он порезан так, что толстовский смысл меняется. Спектакль, в конечном счёте, — это история убийства мужем жены из-за ревности, причём оказывается, что жена сама виновата.

Женщина как сосуд греха — старая добрая мизогиническая идея, ей пронизаны вся мифология и вся литература. Если бы Толстой хотел выразить такую идею, то он не был тем Толстым, которого знает весь мир. Он не был бы тем Толстым, который, по словам В. Шкловского, «учит видеть неправильное в обычном». Повесть оригинальнее, сложнее, откровеннее. А спектакль банален, прост и ханжески стыдлив. Прошло сто лет после смерти Толстого, но некоторые его мысли до сих пор так пугают, что хорошие режиссёры и актёры не решаются оглашать их со сцены.

Теперь я, кажется, посмотрел все спектакли Баргмана в ТДТ, и ещё раз убедился, что его «С любимыми не расставайтесь» — действительно выдающийся спектакль, и больше у режиссёра ничего похожего нет. Увы!

«Анна Франк» в Драмтеатре, по пьесе А. Волошиной.

Смотрел второй раз. Е. Цыбульская ушла из театра, поэтому вместо неё роль Анны играла С. Илюшина, а роль Марго вместо С. Илюшиной — Е. Казакова. Какая Анна лучше, не могу сказать. Теперь смотрел уже после прочитанного дневника, и некоторые моменты вызвали сомнения. Например, в убежище были запрещены немецкие новости, а в спектакле постоянно фоном звучит немецкое радио. И это взято не из пьесы, это именно задумка режиссёра. Но, в целом, опять сильное впечатление. Финал мощный — мощнее, чем в пьесе.

Фестиваль уличных театров «Сны улиц», 2-й день, на площади 400-летия Тюмени.

Есть дни в году, когда я стараюсь вообще не бывать в городе (т. е. в центре). День города — один из таких дней. Противно находиться в этой толпе патриотов, потребляющих американский джанк-фуд, празднующих день основания города, об истории которого они ничего не знают. Но ради фестиваля «Сны улиц» приехал в самый центр. Было показано пять спектаклей, претензии на международность подтвердились.

Театр «Пластилиновый дождь» из Самары. Спектакль на ходулях про карикатурных «тупых тёлок», которые ссорятся с парнями и мечтают только об одном — о свадьбе. Очень весёлый спектакль, зрители приняли с восторгом. Жалею, что смотрел не с начала.

Театр «Эскизы в пространстве» из Москвы. Спектакль о космонавтах и космосе. Главное в нём — костюмы, потому что автор костюмов — ученик Бартенева. Можно себе представить, что это такое. Любопытно, но затянуто.

Группа «Резидуал гурус» (Residual Gurus) из Испании. Выступление с использованием необычных ударных инструментов, сделанных из труб, бочек, вёдер и прочего мусора. Ударные инструменты всегда вызывают у зрителей интерес. Видимо, это что-то первобытное — слышишь бум-бум-бум, и тело само дёргается в такт. Во время выступления группы начался ливень, поэтому объявили перерыв.

Немолодой клоун Локо Бруско (Loco Brusco) из Аргентины. Клоун без красного носа и прочей клоунской фигни. Весело, но часто грубо и глупо. Особенно когда вытащил на сцену мальчика и стал с ним делать всякие трюки, а мальчик не понимал, что от него требуется. Глупее всего было, когда он в конце взял куклу-жабу и сказал: «Хэллоу, айм Дональд Трамп». Чтобы высмеивать Трампа, не требуется смелости даже в США, а высмеивать Трампа в Тюмени — ничего глупее не придумаешь. Если боитесь затрагивать политику в вашем фестивале, так не трогайте и Трампа.

Театр «Мимикрия» из Тюмени. Спектакль о загробном мире Древнего Египта. Всё вместе: пластика, ходули, куклы. Интересная задумка, исполнение могло бы быть интереснее. Для праздника странноватая тема. Первый раз видел этот театр, не сильно впечатлён.

Выступление мэра — не лучший номер программы. Особенно жалко он выглядел, пытаясь барабанить с участниками «Резидуал гурус». Когда чиновники-андроиды пытаются казаться современными, раскованными, открытыми, это всегда выглядит жалко.

Тот же бодрый конферанс, те же конкурсы для зрителей, что и вчера, — видимо, это такая традиция, и не мне с ней бороться. Зрителей было много, и после дождя все вернулись. Веселее всех было маленьким детям, которые бегали по площадке между спектаклями, хотя некоторые спектакли явно не для их возраста.

В целом, интересно было один раз побывать на «Снах улиц», но в следующем году вряд ли пойду.

Фестиваль уличных театров «Сны улиц», 1-й день, на площадке возле «Космоса». Фестиваль проводится четырнадцатый раз, но я побывал на нём только первый раз.

Пять спектаклей тюменских любительских театров: три хореографических спектакля, один спектакль на ходулях, огненное шоу. Спектакли без какого-либо сюжета или хотя бы внятной композиции, а главное — все затянуты, кроме огненного шоу. Если бы каждый спектакль сократить в два раза, то это пошло бы на пользу всем — и спектаклям, и зрителям. Впрочем, люди занимаются искусством, и видно, что стараются.

Если у спектаклей композиции не было, то у самого фестиваля была, и очень грамотная. Сначала три непонятных хореографических спектакля, потом непонятный, но с красочными, яркими костюмами спектакль на ходулях, а в конце, когда уже стемнело, — впечатляющее и опасное огненное шоу. Организаторам — пятёрка. Несколько раздражал конферанс в стиле музыкальных радиостанций и совершенно ненужные конкурсы для зрителей.

Зрителей было немало, куча детей, в том числе совсем маленьких. Кто-то уходил, но большинство продержалось до конца.